Il Pesarese Simone Cantarini, Święta Rodzina ze świętą Elżbietą i świętym Janem Chrzcicielem

Olej na płótnie
cm. 145,5x109.
Opublikowane przez Andreę Emiliani w 1992 roku, a następnie wystawione na dużej bolońskiej wystawie poświęconej malarzowi w 1998 roku, to wspaniałe płótno zostało natychmiast zaakceptowane jako autograf Cantariniego, istotny dowód zarówno jego kontrowersyjnego, ale bardzo intensywnego dialogu z Guido Reni, jak i jego późnej produkcji, jeśli tak można zakwalifikować działalność związaną z ostatnimi latami życia artysty, który zmarł w wieku 36 lat. Zarówno ikonografia, jak i kompozycja należą do najbardziej typowych i powtarzających się w korpusie malarza z Pesaro oraz w zapisach starożytnych inwentarzy: ale, jak słusznie zauważyła Marina Cellini w znakomitym wpisie katalogowym poświęconym obrazowi, szczególnie uderzający jest tutaj tak czuły i "prywatny" charakter przedstawienia, który wprowadza nas w najbardziej intymną i melancholijną żyłę Cantariniego. Przyczyniając się do tej lirycznie domowej intonacji, która przenika obraz, jest również malarski szkic, w którym "oszczędne" przygotowanie, wybór podstawowej palety chromatycznej zredukowanej do kilku brązowych zakresów, ożywionych umiejętnymi akcentami bieli i matowej czerwieni sukni Dziewicy, łączą się z ductus tak delikatnym, napiętym i żywym, że czasami graniczy z niedokończonym. Można to zauważyć zwłaszcza w przypadku dwóch postaci św. Anny i jeszcze bardziej św. Józefa, gdzie ledwie naszkicowane malarskie zachowanie odpowiada również świadomemu wyborowi formalnemu, podyktowanemu mniejszym znaczeniem dwóch postaci zarówno ikonograficznie, jak i pod względem układu sceny, która koncentruje emocjonalne i psychologiczne skupienie w grupie trzech głównych postaci. To właśnie wymiana gestów i spojrzeń między Jezusem a San Giovannino stanowi tutaj serce sceny i główny przedmiot badania namiętności, zasadniczy i stały motyw malarstwa Cantariniego, a także mistrzowskiej ekspresyjnej kalibracji naszego obrazu: i nie jest przypadkiem, że za każdym obrazem Cantariniego zawsze stoi intensywne i dokładne opracowanie graficzne, z analitycznym studium gestów, postaw, ruchów i ekspresji postaci. Dematerializacja konturów, przezroczystość odcieni ciała, skrócone renderowanie odzieży i prostota struktury wskazują na wciąż rygorystyczne porównanie z dojrzałą produkcją Guido Reniego, choć teraz w dialektyce między mistrzami o równej pozycji.

Opublikowane przez Andreę Emiliani w 1992 roku, a następnie wystawione na dużej bolońskiej wystawie poświęconej malarzowi w 1998 roku, to wspaniałe płótno zostało natychmiast zaakceptowane jako autograf Cantariniego, istotny dowód zarówno jego kontrowersyjnego, ale bardzo intensywnego dialogu z Guido Reni, jak i jego późnej produkcji, jeśli tak można zakwalifikować działalność związaną z ostatnimi latami życia artysty, który zmarł w wieku 36 lat. Zarówno ikonografia, jak i kompozycja należą do najbardziej typowych i powtarzających się w korpusie malarza z Pesaro oraz w zapisach starożytnych inwentarzy: ale, jak słusznie zauważyła Marina Cellini w znakomitym wpisie katalogowym poświęconym obrazowi, szczególnie uderzający jest tutaj tak czuły i "prywatny" charakter przedstawienia, który wprowadza nas w najbardziej intymną i melancholijną żyłę Cantariniego. Przyczyniając się do tej lirycznie domowej intonacji, która przenika obraz, jest również malarski szkic, w którym "oszczędne" przygotowanie, wybór podstawowej palety chromatycznej zredukowanej do kilku brązowych zakresów, ożywionych umiejętnymi akcentami bieli i matowej czerwieni sukni Dziewicy, łączą się z ductus tak delikatnym, napiętym i żywym, że czasami graniczy z niedokończonym. Można to zauważyć zwłaszcza w przypadku dwóch postaci św. Anny i jeszcze bardziej św. Józefa, gdzie ledwie naszkicowane malarskie zachowanie odpowiada również świadomemu wyborowi formalnemu, podyktowanemu mniejszym znaczeniem dwóch postaci zarówno ikonograficznie, jak i pod względem układu sceny, która koncentruje emocjonalne i psychologiczne skupienie w grupie trzech głównych postaci. To właśnie wymiana gestów i spojrzeń między Jezusem a San Giovannino stanowi tutaj serce sceny i główny przedmiot badania namiętności, zasadniczy i stały motyw malarstwa Cantariniego, a także mistrzowskiej ekspresyjnej kalibracji naszego obrazu: i nie jest przypadkiem, że za każdym obrazem Cantariniego zawsze stoi intensywne i dokładne opracowanie graficzne, z analitycznym studium gestów, postaw, ruchów i ekspresji postaci. Dematerializacja konturów, przezroczystość odcieni ciała, skrócone renderowanie odzieży i prostota struktury wskazują na wciąż rygorystyczne porównanie z dojrzałą produkcją Guido Reniego, choć teraz w dialektyce między mistrzami o równej pozycji.