„Wenus i Kupidyn”, Lorenzo Lotto
„Wenus i Kupidyn” to obraz olejny na płótnie autorstwa włoskiego artysty renesansowego Lorenzo Lotto znajdujący się w kolekcji Metropolitan Museum of Art. Prawdopodobnie pochodzi z ok. 1530 roku, ale datowany jest na okres od połowy lat dwudziestych XVI wieku do lat czterdziestych XVI wieku. Był to prezent ślubny dla pary z Bergamo lub z Wenecji.
Lorenzo Lotto był włoskim malarzem, rysownikiem i ilustratorem, tradycyjnie osadzonym w szkole weneckiej, choć większość swojej kariery spędził w innych miastach północnych Włoch. Malował głównie ołtarze, tematy religijne i portrety. Był aktywny w okresie Wielkiego Renesansu i pierwszej połowy okresu manierystycznego, ale jego twórczość utrzymywała ogólnie podobny styl Wysokiego Renesansu przez całą swoją karierę, chociaż jego nerwowe i ekscentryczne pozy i zniekształcenia stanowiły etap przejściowy do manieryzmu florenckiego i rzymskiego.
Leżącej na ziemi Wenus towarzyszy stojący z łukiem i kołczanem jej syn Kupidyn. Oddaje mocz na pannę młodą przez wieniec laurowy z mirtu, a pod którym zawieszone jest płonące kadzidło. Ten strumień moczu jest aktem symbolicznym, którego znaczeniem jest przyniesienie płodności. Chłopiec przed okresem dojrzewania oddający mocz jest klasycznym motywem sztuki znanym jako puer mingens. Wokół Wenus i Kupidyna rozsiane są alegoryczne przedmioty małżeństwa, takie jak girlanda z mirtu, kobiecości (róża, muszla, płatki róż) i wiecznej miłości (bluszcz). Nakrycie głowy Wenus, z tiarą, welonem i kolczykiem, jest typowe dla weneckich narzeczonych z XVI wieku. Wisiorek z perłą to symbol czystości.
„Dante i Beatrycze”, Henry Holiday
„Dante i Beatrycze” to obraz z 1883 roku autorstwa Henry'ego Holidaya, który jest wystawiany w Walker Art Gallery w Liverpoolu. Henry Holiday urodził się w Londynie. Wcześnie wykazywał zdolności artystyczne i pobierał lekcje od Williama Cave'a Thomasa. Uczęszczał do akademii artystycznej Leigh, a w wieku 15 lat, został przyjęty do Royal Academy Schools. Uważany jest za najważniejszy obraz autorstwa artysty. Kiedy zmarł w 1927 roku, malarza określano jako „ostatniego prerafaelitę”. Holiday pracował zarówno w olejach, jak i akwarelach. W 1858 roku jego pierwszy obraz, pejzaż, został wystawiony w Akademii Królewskiej i natychmiast sprzedany.
Treść obrazu „Dante i Beatrycze” opiera się na autobiograficznym dziele Dantego „La Vita Nuova” z 1294 roku, które opisuje jego miłość do Beatrice Portinari. Dante ukrywał swoją miłość, udając, że pociągają go inne kobiety. Obraz przedstawia incydent, w którym Beatrycze, słysząc plotki na ten temat, odmawia z nim rozmowy. Beatrycze była wielką, niespełnioną miłością Dantego, poeta niezwykle mocno przeżył jej śmierć. Holidayowi zależało, aby obraz był wierny historycznie iw 1881 roku udał się do Florencji w celu przeprowadzenia badań.
„Pocałunek”, Auguste Rodin
„Pocałunek” to marmurowa rzeźba z 1882 roku autorstwa francuskiego rzeźbiarza Auguste'a Rodina. Przedstawiona na rzeźbie obejmująca się naga para pojawiła się pierwotnie jako część grupy płaskorzeźb zdobiących monumentalny brązowy portal piekieł, zamówiony dla planowanego muzeum sztuki w Paryżu. Jest to rzeźba, która poprzez uniwersalny język ciała eksponuje siłę, pasję i pożądanie, jakie może oznaczać pocałunek między kochankami. Dzieło zostało zainspirowane tragicznym romansem Włochów Paolo Malatesty i Franceski da Rimini, uwiecznionym i spopularyzowanym przez pisarza Dante Alighieriego w jego dziele „Boska Komedia”. Rzeźba została uznana za nieodpowiednią do ogólnego wyświetlania i przeniesiona do wewnętrznej komnaty, do której wstęp był możliwy tylko na osobisty wniosek. François Auguste René Rodin był francuskim rzeźbiarzem, powszechnie uważanym za twórcę nowoczesnej rzeźby. Uczył się tradycyjnie i miał rzemieślnicze podejście do swojej pracy. Rodin miał wyjątkową zdolność modelowania złożonej, burzliwej i głęboko zagłębionej powierzchni w glinie.
„Dance in the Country”, Pierre-Auguste Renoir
„Dance in the Country ( francuski : Danse à la campagne )” to obraz olejny z 1883 roku autorstwa francuskiego artysty Pierre-Auguste Renoira. Obecnie znajduje się w Musée d'Orsay w Paryżu. Obraz ten został zamówiony w 1882 roku przez kupca Paula Duranda-Ruela, który chciał mieć pracę na temat balu. Kupił go w 1886 roku, wystawił go po raz pierwszy w kwietniu 1883 roku i trzymał do śmierci Renoira w 1919 roku. Obraz, na który wpływ miała podróż artysty do Włoch w 1881 roku, gdzie czerpał inspirację od Rafaela, rozpoczął ewolucję malarza, który próbował wówczas zerwać z impresjonizmem. Obraz przedstawia parę tańczącą pod kasztanem: mężczyzna to Paul Lhôte, przyjaciel malarza, a kobieta to Aline Charigot, późniejsza żona malarza. Obie postacie są namalowane naturalnej wielkości i zajmują prawie cały obraz. Jednak w tle po prawej stronie widać stół i kapelusz na ziemi oraz parę twarzy poniżej poziomu parkietu. Kobieta trzymająca w prawej ręce wachlarz pokazuje uśmiechniętą twarz i patrzy w stronę widza. Scena skąpana jest w jasnej i wesołej atmosferze. Renoir jest znany z przedstawiania emocji na swoich obrazach, a ten romantyczny obraz o miłości nie jest wyjątkiem.
„Pigmalion i Galatea”, Jean-Léon Gérôme
„Pigmalion i Galatea” to obraz francuskiego artysty Jean-Léona Gérôme'a z 1890 roku. Motyw zaczerpnięty z „Metamorfoz” Owidiusza przedstawia rzeźbiarza Pigmaliona całującego posąg Galateę jego autorstwa, w chwili, gdy bogini Afrodyta ożywia ją. Jean-Léon Gérôme namalował Pigmaliona i Galateę latem 1890 roku. W 1891 roku wykonał marmurową rzeźbę o tej samej tematyce, prawdopodobnie opartą na wersji gipsowej, używanej również jako model do obrazu. Wykonał kilka alternatywnych wersji obrazu, z których każda przedstawiała temat z innej perspektywy. Najsłynniejsza wersja, w której Galatea jest widziana od tyłu, została kupiona przez firmę Boussod, Valadon & Cie 22 marca 1892 roku, która sprzedała ją 7 kwietnia za 17 250 FFR Charlesowi T. Yerkesowi. Po jego śmierci obraz był kilkakrotnie sprzedawany, aż w 1927 roku został podarowany Metropolitan Museum of Art przez Louisa C. Raegnera. Pozostałe wersje znajdują się w zbiorach prywatnych lub zaginęły.
„Pocałunek”, Edvard Munch
„Pocałunek” to obraz olejny na płótnie wykonany przez norweskiego artystę Edvarda Muncha w 1897 roku. Obraz jest realizacją motywu, z którym malarz eksperymentował od 1888/89. Obraz znajduje się w Muzeum Muncha w Oslo. „Pocałunek” to obraz olejny na płótnie o wymiarach 81 na 99 centymetrów. Przedstawia parę otoczoną ciemnością, a przez okno w większości zasłonięte zasłoną wpada tylko smuga światła dziennego. Obejmują się, gdy pozornie łączą się w jedno, a ich twarze mają jeden, pozbawiony rysów kształt. Obraz jest podobny, choć prostszy, do innej pracy o tym samym temacie, którą Munch namalował w tym samym okresie. Munch za życia doświadczył rozczarowania miłością i słabego zdrowia, wywołując u niego napady melancholii. Munch również stał się alkoholikiem. Artysta nigdy się nie ożenił. Choć szokujące, jego obrazy charakteryzują się emocjonalną szczerością i integralnością, co czyni je porywającymi. Munch eksperymentował z motywem całującej się pary, zarówno w malarstwie, jak i drzeworytach, już w latach 1888–89. W licznych realizacjach tego motywu występuje kontrast między światem wewnątrz i na zewnątrz pokoju, w którym znajduje się para. Świat zewnętrzny wydaje się żywy i żywy, podczas gdy wnętrze pokoju jest ponadczasowe, a para zastygła w uścisku. W tym motywie abstrakcyjna forma pary, w której twarze dwojga wydają się połączone w jedno, wskazuje na ich poczucie przynależności i wspólnoty.
„Pocałunek”. Gustav Klimt
„Pocałunek” to obraz olejny na płótnie z dodatkiem złota, srebra i platyny autorstwa austriackiego malarza symbolisty Gustava Klimta. Został namalowany na przełomie 1907 i 1908 roku, w szczytowym okresie tego, co uczeni nazywają jego „złotym okresem”. Został wystawiony w 1908 roku pod tytułem „Liebespaar”. Obraz przedstawia parę obejmującą się, ich ciała splecione w wyszukane, piękne szaty, udekorowane w stylu inspirowanym współczesną secesją i organicznymi formami wcześniejszego ruchu Arts and Crafts. Mężczyzna ma na sobie szatę z geometrycznymi wzorami i subtelnymi zawijasami. Nosi koronę z winorośli, podczas gdy kobieta nosi koronę z kwiatów. Ukazana jest ona w zwiewnej sukience z kwiatowymi wzorami. Twarz mężczyzny nie jest pokazywana publiczności, jest pochylona w dół, aby złożyć pocałunek na policzku kobiety, jego dłonie obejmują twarz kobiety. Obraz wisi teraz w muzeum Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu i jest uważany za arcydzieło wiedeńskiej secesji oraz najpopularniejsze dzieło Klimta po „Portrecie Adele Bloch-Bauer I”. Przez wielu uważany jest za najsłynniejsze dzieło sztuki. Miłość, intymność i seksualność to częste tematy spotykane w pracach Gustava Klimta. „Objęty niekończącym się pocałunkiem” obraz Klimta jest uważany za najbardziej romantyczny obraz wszech czasów.
„Kochankowie”, René Magritte
„Kochankowie” to obraz olejny na płótnie namalowany w 1928 roku, przedstawiający dwie osoby zamknięte w uścisku. Postacie całują się przez zasłony. Znajdują się one w pomieszczeniu z odsłoniętą tylną ścianą, boczną ścianą i sufitem. Tylna ściana jest niebiesko-szara z jaśniejszym odcieniem na dolnej połowie i ciemniejszym odcieniem na górnej połowie. Męska postać nosi czarny garnitur i krawat oraz solidną białą koszulę. Obejmuje kobietę ubraną w czerwoną szatę bez rękawów z białymi wykończeniami. Obie postacie mają białawy welon całkowicie zakrywający ich twarze i szyje. Elementami składającymi się na kompozycję są pokój i kochankowie. W przeciwieństwie do erotyczno-romantycznej sceny „Pocałunku” Gustava Klimta, Magritte przedstawił dwie postacie z twarzami zasłoniętymi białym płótnem, zamknięte w niejednoznacznej scenerii, niezdolne do prawdziwego komunikowania się i dotykania. Obraz pokazuje, jak widzimy się nawzajem przez zasłony, ukrywając nasz rdzeń i nie ujawniając naszej prawdziwej natury. Uświadamia nam również, że być może tak właśnie wygląda zakochanie się.
Urodzony w 1898 roku i zmarły w 1967 roku, René Magritte był belgijskim malarzem surrealistą. Na początku lat dwudziestych, studiując, malarz odkrył nową miłość do kubizmu i futuryzmu, a następnie ruchu Dada. Mniej więcej w tym czasie dołączył do nowo utworzonej belgijskiej grupy surrealistów. Najbardziej interesowały go symbole, obrazy enigmatyczne i metaforyczne, czasem nawet humorystyczne.
„Pocałunek II”, Roy Lichtenstein
„Pocałunek II” jest jednym z najbardziej ikonicznych przedstawień komiksu i jednym z najbardziej znanych obrazów Roya Lichtensteina. Obraz powstał w 1962 roku. Artysta wykorzystywał reklamy i komiksy, aby stworzyć przełomowe obrazy, które wprowadziły amerykańską popkulturę do przestrzeni galerii. Podważył różnicę między malarstwem a drukiem, tworząc płótna, które wyglądały, jakby pochodziły z prasy komercyjnej. Używając farb i szablonów, ręcznie skrupulatnie renderował płaskie, jednokolorowe kropki.
Zdjęcia: Wikipedia
