„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli
Florencja we Włoszech to miasto urodzenia Sandro Botticellego, urodzonego w 1445 roku. Dziś Botticelli jest najlepiej pamiętany ze swoich obrazów o tematyce mitologicznej, chociaż malował także wiele innych tematów, takich jak postacie religijne i portrety kobiet. W 1470 roku, w wieku 25 lat otworzył własną pracownię, w której wykonywał zamówienia bogatych rodzin florenckich – głównie rodu Medicich, zaś od 1472 roku znajdował się na liście w gildii św. Łukasza jako samodzielny malarz.
Dzieło „Narodziny Wenus” jest prawdopodobnie najbardziej charakterystycznym obrazem kobiety, jaki kiedykolwiek stworzono. Ten obraz przedstawia boginię Wenus, która przybywa na brzeg po urodzeniu, z muszli, z której wyszła naga i dorosła. Po jej lewej stronie znajduje się skrzydlaty bóg wiatru, Zephyr, którego można zobaczyć, jak wieje w nią widocznymi promienistymi liniami, próbując pomóc muszlowcowi dotrzeć do brzegu. Po jej prawej stronie znajduje się Hora Wiosny, jedna z trzech greckich pomniejszych bogiń. Na obrazie widzimy, jak trzyma płaszcz, którym ma okryć Wenus po jej przybyciu na brzeg. Ciało Wenus jest anatomicznie nieprawdopodobne, z wydłużoną szyją i tułowiem. Jej poza jest niemożliwa: chociaż stoi w klasycznej postawie kontrapostowej, jej ciężar jest przesunięty zbyt daleko na lewą nogę, aby pozę mogła zostać utrzymana. Proporcje i pozy wiatrów po lewej stronie nie do końca mają sens, a żadna z postaci nie rzuca cienia. Obraz przedstawia świat wyobraźni, a nie jest realistycznym przedstawieniem. Obraz znajduje się w Galerii Uffizi we Florencji we Włoszech.
„Mona Lisa”, Leonardo Da Vinci
„Mona Lisa” została namalowana w 1506 roku przez mistrza Leonarda da Vinci. Da Vinci, urodził się w 1452 roku. Chociaż nigdy nie miał formalnego wykształcenia, jest dziś pamiętany ze swojego wkładu w wiele kategorii takich jak sztuka, nauka, matematyka i wynalazki techniczne. Uważany jest za jednego z najbardziej wyjątkowych ludzi w historii, nie tylko za niezwykłego artystę, ale za geniusza swoich czasów.
Obraz został ostatecznie zidentyfikowany jako przedstawiający włoską szlachciankę Lisę del Giocondo. Jest namalowany olejem na desce z białej topoli lombardzkiej. Leonardo nigdy nie przekazał obrazu rodzinie Giocondy i uważa się, że później pozostawił go w testamencie swojemu ulubionemu uczniowi Salaìowi. Uważa się, że został namalowany w latach 1503-1506; jednak Leonardo mógł kontynuować pracę nad nim dopiero w 1517 roku. Został nabyty przez króla Francji Franciszka I i obecnie jest własnością Republiki Francuskiej. Jest na stałej wystawie w Luwrze w Paryżu od 1797 roku. Mona Lisa wykazuje duże podobieństwo do wielu renesansowych przedstawień Matki Boskiej, która była wówczas postrzegana jako ideał kobiecości. Postać ubrana jest w skromną szatę, na której brak jest oznak pozycji społecznej, majątkowej czy dworskiej. Za nią artysta ustawił wysoki mur, a dalej melancholijny krajobraz pocięty zygzakowatymi liniami ścieżek i wijących się potoków.
„Portret Madame X”, John Singer Sargent
Choć urodził się we Florencji, John Singer Sargent był amerykańskim artystą, urodzonym 12 stycznia 1856 roku. Stworzył około 900 obrazów olejnych oraz ponad 2000 akwareli i jest uważany za czołowego portrecistę swoich czasów. Twórczość Sargenta od początku odznaczała się niezwykłą sprawnością techniczną, zwłaszcza umiejętnością rysowania pędzlem, co w późniejszych latach budziło podziw i jednocześnie krytykę za rzekomą powierzchowność.
Obraz przedstawia młodą towarzyską Virginie Amélie Avegno Gautreau, żonę francuskiego bankiera Pierre'a Gautreau. Jej nietuzinkowa uroda sprawiła, że stała się obiektem fascynacji artystów. „Madame X” została namalowana nie na zamówienie, ale na prośbę Sargenta. To studium w opozycji. Sargent pokazuje kobietę pozującą w czarnej satynowej sukience z wysadzanymi klejnotami ramiączkami, sukience, która jednocześnie odsłania i chowa. Skandal wywołany kontrowersyjnym przyjęciem obrazu na Salonie Paryskim w 1884 roku był równoznaczny z chwilowym niepowodzeniem Sargenta we Francji. W 1916 roku Sargent sprzedał obraz Metropolitan Museum of Art. Druga, niedokończona wersja tej samej pozy znajduje się w Tate w Londynie.
„Portret Dory Maar”, Pablo Picasso
Pablo Picasso urodził się 25 października 1881 roku w Maladze w Hiszpanii. Był jednym z pionierów i współzałożycieli kubizmu. Od najmłodszych lat wykazywał duże zdolności artystyczne, malując głównie w stylu naturalistycznym. W pierwszych dziesięciu latach XX wieku jego sztuka przechodziła wiele przemian, eksperymentując z różnymi stylami i technikami. Stał się bardziej radykalny w swoim podejściu do sztuki, kiedy zainspirował go ruch fowistów.
„Portret Dory Maar” został namalowany przez Pabla Picassa w 1937 roku, rok po ich pierwszym spotkaniu w Paryżu i rozpoczęciu związku, który trwał prawie dziewięć lat. Para poznała się na planie francuskiego filmu „The Crime of Monsieur Lange” pod koniec 1935 roku. Później, w 1936 roku, w brasserie Les Deux Magots w paryskiej dzielnicy Saint-Germain-des-Prés, Dorę Maar i Picassa, którzy byli zarówno artystami, jak i aktywistami zaangażowanymi w działalność lewicową, przedstawił sobie wspólny przyjaciel, Paul Eluard. Picasso, który miał wtedy 55 lat, zakochał się w 29-letniej Maarze i wkrótce para zamieszkała razem. Ich związek był burzliwy i choć trwał prawie dziewięć lat, Picasso nie zakończył trwającego wtedy związku z Marie-Thérèse Walter, która była matką jego córki Mayi. Związek pary zakończył się w 1943 roku. Na tym portrecie twarz Maar jest szczególnie niezwykła ze względu na swój eksperymentalny styl, obraz przedstawia zarówno profil twarzy, jak i twarz w połączeniu, co daje możliwość przekazania kilku perspektyw.
„Portret młodej dziewczyny”, Petrus Christus
„Portret młodej dziewczyny” to mały obraz olejny na dębowej desce autorstwa malarza niderlandzkiego Petrusa Christusa. Został ukończony pod koniec jego życia, między 1465 a 1470 rokiem i jest przechowywany w Gemäldegalerie w Berlinie. Ostatnie badania pokazują, że Christus, od dawna widziany tylko w świetle swojego poprzednika, Jana van Eycka, był niezależnym malarzem, którego prace wykazują równie duży wpływ, między innymi, od Dirka Boutsa, Roberta Campina i Rogiera van der Weydena. Był pod wpływem van Eycka i Rogiera van der Weydena i jest znany ze swoich innowacji w perspektywie liniowej i skrupulatnej techniki, która wydaje się wywodzić z miniatur i iluminacji rękopisów. Dziś z pewnością przypisuje się mu około 30 dzieł.
Dziewczyna jest osadzona w przewiewnej, trójwymiarowej, realistycznej scenerii i patrzy na widza skomplikowanym wyrazem twarzy, który jest powściągliwy, ale inteligentny i czujny. Obraz jest powszechnie uważany za jeden z najwspanialszych portretów północnego renesansu. Atrakcyjność postaci polega częściowo na jej intrygującym spojrzeniu, podkreślonym przez lekką nierówność oczu, podczas gdy brwi są lekko przekrzywione. Obraz jest podzielony poziomymi równoległymi liniami boazerii i bluzki, które łączą się w odwróconym trójkącie utworzonym przez dekolt sukni. Modelka ubrana jest w drogie ubrania i biżuterię, wydaje się niezwykle elegancka.
„Kryształowa kula”, John William Waterhouse
John William Waterhouse urodził się w Rzymie 6 kwietnia 1849 roku w rodzinie angielskich malarzy. Był znany ze swojej pracy w stylu akademickim, zanim przeszedł do ruchu prerafaelitów. Był szczególnie znany z przedstawiania kobiet w dziełach sztuki, których tematyka sięgała od legend Artura po mitologię grecką. Jego ulubionym tematem było tworzenie dzieł sztuki inspirowanych klasycznymi autorami.
Artysta namalował „Kryształową kulę” w 1902 roku i wystawił ją później w tym samym roku wraz z „Mszałem” w Akademii Królewskiej. Wpływ, jaki włoski renesans wywarł na twórczość artysty, można zaobserwować poprzez stosowanie kół, a także stosowanie linii poziomych i pionowych względem siebie. W porównaniu z epoką gotyku widać było, że jego sztuka wykazywała wyraźne odejście od zwykle ostrołukowych łuków spotykanych w architekturze tego okresu. Będący częścią prywatnej kolekcji, obraz został odrestaurowany, aby pokazać czaszkę zakrytą przez poprzedniego właściciela.
„Judyta z głową Helofernesa”, Gustav Klimt
Klimt jest znany ze swoich obrazów, malowideł ściennych, szkiców i innych dzieł sztuki. Głównym tematem Klimta było kobiece ciało, a jego prace odznaczają się szczerym erotyzmem. „Złota faza” Klimta spotkała się z pozytywną reakcją krytyków i sukcesem finansowym. Wiele jego obrazów z tego okresu zawierało płatki złota.
Obraz został namalowany w 1901 roku. Przedstawia biblijną postać Judyty trzymającą głowę Holofernesa po ścięciu. Ścięcie i jego następstwa były powszechnie przedstawiane w sztuce od renesansu, a sam Klimt namalował drugie dzieło przedstawiające ten temat w 1909 roku. W wersji z 1901 roku Judith zachowuje magnetyczną fascynację i zmysłowość. W swoich walorach formalnych pierwsza wersja ilustruje bohaterkę z archetypowymi cechami urzekających i czarujących kobiet opisanych przez symbolistycznych artystów i pisarzy, takich jak Wilde, Vasnetsov, Moreau i inni. Rozkoszuje się swoją siłą i seksualnością – tak bardzo, że krytycy błędnie nazwali Judytę Klimta Salome, tytułową bohaterką tragedii Oscara Wilde'a. Twarz Judyty emanuje mieszanym ładunkiem zmysłowości i perwersji. Jej cechy są transmutowane tak, aby uzyskać, jak największy stopień intensywności i uwodzenia, co osiąga Klimt, umieszczając kobietę na nieosiągalnej płaszczyźnie.
Zdjęcia: Wikipedia
