Najsłynniejsze zagraniczne krajobrazy

„Lilie wodne”, Claude Monet

Słynny francuski artysta Claude Monet był jednym z najbardziej znanych impresjonistów. Badając zmienną naturę światła i postrzeganie czystego koloru, jego obrazy zdefiniowały styl impresjonistyczny. Słynny cykl „Lilie wodne”, a także obrazy „Stogi siana” i „Le Dejeuner sur l'Herbe” (inspirowane arcydziełem Maneta) prezentują nową technikę – plener. Wychodząc ze sztalugami na zewnątrz, Claude Monet był jednym z wielu artystów impresjonistów i postimpresjonistów, którzy propagowali bezpośredni kontakt z naturą i wykorzystywali go do rozwijania nowych trendów w malarstwie. Seria została zainspirowana wodnym ogrodem, który artysta stworzył w swojej posiadłości Giverny w Normandii. Doprowadziło to do powstania ostatnich wielkich krajobrazów podarowanych przez Moneta państwu francuskiemu w 1922 roku, które są wystawiane w Musée de l'Orangerie od 1927 roku.

Centralnym punktem tych obrazów był ukochany przez artystę ogród kwiatowy, w którym znajdował się ogród wodny i mniejszy staw, nad którym z kolei znajdowała się japońska kładka. W swojej pierwszej serii lilii wodnych (1897–1899) Monet namalował środowisko stawu z roślinami, mostem i drzewami starannie oddzielonymi stałym horyzontem. Z czasem artysta coraz mniej interesował się konwencjonalną przestrzenią malarską. Zanim namalował „Lilie wodne”, które pochodzą z trzeciej grupy tych prac, całkowicie zrezygnował z linii horyzontu. Na tym przestrzennie niejednoznacznym płótnie artysta patrzył w dół, skupiając się wyłącznie na tafli stawu, z jego kępą roślinności unoszącą się wśród odbicia nieba i drzew. W ten sposób Monet stworzył obraz poziomej powierzchni na pionowej.

„Widok Toledo”, El Greco

El Greco urodził się na Krecie w 1541 roku i był w tym okresie najbardziej aktywnym artystą w Hiszpanii. Jest często cytowany przez uczonych jako jeden z czołowych i najwybitniejszych przedstawicieli hiszpańskiego renesansu XV i XVI wieku. Przed zmianą tematyki, jaką przyniosła jego twórczość, pejzaż nie był powszechną praktyką wśród artystów zachodniej części świata. Sceneria oraz flora i fauna były zwykle wykorzystywane jako tło dla jakiejś działalności człowieka. Niektórzy spekulowali, że ze względu na rzadkość sztuki pejzażowej przed pracami El Greco, ten obraz mógł pierwotnie być częścią większego płótna, chociaż jak dotąd nie ma solidnych dowodów na poparcie tej teorii. Data powstania wersji nowojorskiej jest obiektem dyskusji historyków sztuki. Rozbieżność lat sięga od 1595–1600 (H.E. Wethey) do 1614 (M. Muraro). 

Obraz tętni błękitami, czernią, bielą i żywą zielenią. Składa się ze wszystkich odcieni ziemi. Najbardziej zauważalny jest wyraźny kontrast kolorystyczny między ciemnością nieba nad nami a jaskrawą zielenią wzgórz poniżej. Widok Toledo pokazuje widzom obraz ciemności lub nastroju, który jest obecny w Toledo. Miasto znajduje się na samym szczycie wzgórza. Historyk sztuki Walter Liedtke spekuluje, że El Greco chciał podkreślić wielkość Toledo. Ze względu na to, że Toledo znajdowało się na szczycie, symbolizowało położenie miasta blisko nieba, ale wciąż na szczycie wzgórza, co łączyło je ziemskim posiadaniem. Korzystając ze średniowiecznej tradycji, El Greco włączył punkty orientacyjne, takie jak katedra i Alcázar. Uważa się, że enigmatyczna symbolika tego obrazu może być związana z mistycyzmem. 

„Cztery pory roku”, Nicolas Poussin

„Wiosna”, zwana także „Le Paradis terrestre” (Ziemski raj) lub „Adam et Ève dans le Paradis terrestre” (Adam i Ewa w ziemskim raju ), jest częścią „les Quatre Saisons”, religijnej i artystycznej re"lacji Poussina, której celem jest medytacja nad głównymi etapami ludzkiego życia. Tematem jest tutaj płodność natury; widzimy Ewę pokazującą jabłko Adamowi. Adam i Ewa tworzą małą statyczną parę w środku spokojnego lasu, przyćmionego przez bujną roślinność. Równie małą, odzianą w szatę postać Stwórcy można zobaczyć wysoko na chmurze otoczonej aureolą światła. Odsuwa się od widza, odchodzi, jakby świadomy tego, co ma nadejść. Postacie w kompozycji nawiązują do klasycznych przedstawień na średniowiecznych miniaturach.

W „Lecie”, scena jest zbudowana z prostokątnych pasów, za trzema głównymi postaciami na pierwszym planie, które są widziane z profilu jak na płaskorzeźbie. Moabitka Rut klęka przed Boazem, a jego sługa patrzy na niego życzliwym okiem. Widoczne są dwie równoległe ściany kukurydzy wraz ze szczegółowym dekoracyjnym zdobieniem poszczególnych łodyg. Samo pole kukurydzy stanowi środek obrazu. Jego postrzępiona krawędź prowadzi wzrok do skał, morza i gór w oddali. Pośrodku grupa żniwiarzy tworzy wydłużony fryz, podczas gdy dalej widać grupę pięciu koni, wykonanych w klasycznym stylu łuków triumfalnych starożytnego Rzymu. Scenę sielankową uzupełniają po prawej stronie postacie wieśniaka grającego na dudach, a po lewej żniwiarza gaszącego pragnienie bukłakiem wina, podczas gdy kobiety przygotowują chleb w cieniu wielkiego drzewa.

Bardziej chropowata faktura i drżenie pędzla widoczne w „Jesieni” czy „Szpiegach z winogronami” sugerują, że mógł to być ostatni ukończony obraz z zestawu. Bujną roślinność wiosny zastępuje kamienista ziemia z małymi kępkami trawy. Tylko jabłoń pośrodku owocuje; liście już zaczynają spadać z dwóch małych drzewek po lewej stronie. Długie cienie rzuca wieczorne słońce, którego gasnące światło odbija się od miasta położonego w oddali i budynków wzniesionych na skalistym występie po prawej stronie. Oko obserwatora jest delikatnie skierowane na centralne postacie dwóch izraelskich szpiegów przez linie chmur i urwiska pod nimi. W centralnej kompozycji płaskorzeźby Poussin wykorzystał elementy alegorycznej ryciny Hieronima Wierixa z 1607 roku dla klasycznych postaci dwóch mężczyzn z winogronami. Na obrazie Poussina widać kobietę zbierającą owoce na drabinie opartej o drzewo, przy czym drabina wydaje się wyrastać z winogron. W oryginale ciało Chrystusa powstaje z winogron. Sugeruje to ikonograficzną interpretację jabłoni jako Drzewa Życia – niebiańskiej nagrody obiecanej w raju po zbawieniu.

„Zima” lub „Powódź” jest najczęściej określana przez francuski tytuł „Le Deluge”. Na tym bardzo oryginalnym obrazie Poussin z powściągliwością przedstawia końcowe etapy przerażającego kataklizmu. Zdjęcie rejestruje moment, w którym powodzie w końcu zalewają równinę, a ostatnie wychodnie skalne znikają pod wezbraną wodą. Poziome linie użyte w innych jego obrazach, aby stworzyć wrażenie porządku, prowadzą wzrok przez obraz z rosnącym niepokojem. Scena oświetlona księżycem jest zabarwiona różnymi odcieniami. W oddali widać niewyraźne zarysy Arki Noego unoszącej się na spokojniejszych wodach. Kontrastując z postrzępionymi kształtami skał i drzew, wodospad tworzy poziome tło dla fryzu ocalałych na pierwszym planie, niepewnych zbliżającej się zagłady. Poussin złowieszczo umieszcza węża pełzającego po skale po lewej stronie obrazu, symbolu często używanego na jego obrazach, aby wyczarować poczucie przerażenia.

„Gwiaździsta noc”, Vincent van Gogh

Dzikie i ekspresyjne obrazy holenderskiego artysty postimpresjonistycznego Vincenta Van Gogha zaczęły zdobywać powszechną popularność dopiero po śmierci artysty. Jego obrazy natury są nie tylko jednymi z najbardziej wyrazistych dzieł, ale na wielu działają jak ślady wewnętrznych działań i zamieszania duszy autora. Jego płótna emanują wirującymi, gęstymi i żywymi kolorami, co widać na jednym z jego najsłynniejszych (i ukochanych) obrazów „Gwiaździsta noc”. Namalowany w czerwcu 1889 roku, przedstawia widok ze wschodniego okna pokoju artysty w Saint-Rémy-de-Provence, tuż przed wschodem słońca, z dodatkiem wyimaginowanej wioski. Znajduje się w stałej kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku od 1941 roku, nabytej w ramach zapisu Lillie P. Bliss. Powszechnie uważany za opus magnum Van Gogha, „Gwiaździsta noc” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w sztuce zachodniej. „Gwiaździsta noc” to jedyny nokturn w serii widoków z okna jego sypialni. Na początku czerwca Vincent napisał do brata, że widział  krajobraz z okna na długo przed wschodem słońca i gwiazdę poranną, która wyglądała na bardzo dużą. Badacze ustalili, że Wenus (czasami określana jako „gwiazda poranna”) była rzeczywiście widoczna o świcie w Prowansji wiosną 1889 roku. Tak więc najjaśniejszą „gwiazdą” na obrazie, znajdującą się po prawej stronie cyprysu, jest w rzeczywistości Wenus.

„Myśliwi na śniegu”, Pieter Bruegel Starszy

Pieter Bruegel Starszy był flamandzkim pejzażystą urodzonym około 1525 roku w Breugel. Znany ze swojego malarstwa i grafiki, Bruegel jest uważany przez uczonych za najwybitniejszą postać flamandzkiego i holenderskiego renesansu. Malarz należał do pierwszego pokolenia artystów, którzy nie ograniczali się do malowania wyłącznie obrazów o tematyce religijnej, a wybrana przez niego tematyka została opisana jako nowatorska. „Myśliwi na śniegu” został namalowany olejem na drewnianej desce w 1565 roku. Scena na obrazie rozgrywa się w środku zimy i jest częścią serii prac przedstawiających różne pory roku, z których pięć nadal istnieje. W czasach Bruegla każdy okres roku był wizualnie reprezentowany przez pracę wykonywaną przez ludzi w tych okresach, zgodnie z tradycją wczesnego renesansu znaną jako Prace Miesięcy. Na tym konkretnym obrazie widzimy, że jest zima i trzech myśliwych w towarzystwie swoich psów wraca z polowania. Wyniszczony wygląd zarówno psa, jak i myśliwego, a także ciało pojedynczego lisa wskazują, że nie było to szczególnie udane polowanie. Kolory użyte przez Bruegla dobrze oddają atmosferę zimy. Dominują tu kolory biały i bladoniebieski, a wyraziste dodatki są utrwalone w czerni. Z kompozycji obrazu widać, że dla autora nie jest najważniejsze dokładne odwzorowanie postaci. 

„Flamingi”, Henri Rousseau



Francuski malarz postimpresjonistyczny Henri Rousseau twierdził, że „nie miał innego nauczyciela niż natura”. Jako artysta samouk, wielu definiuje jego prace jako podążające za nurtem sztuki naiwnej i celebruje jego styl oraz przedstawianie natury i postaci ludzkiej. Obraz „Flamingi” powstał w 1907 roku. Na obrazie na brzegu widać rodzinę czterech różowych flamingów, ustawionych w szeregu, w różnych pozach. Po drugiej stronie brzegu znajduje się mierzeja lub wyspa, na której mieszka trzech wieśniaków. Rzeka jest bujna od majestatycznych i pięknych lilii. Białe kwiaty lotosu unoszą się na powierzchni, a różowe i żółte są wysoko na łodygach nad wodą. Po drugiej stronie brzegu jest tropikalna dżungla. Lilie symbolizują poczucie spokoju i wyciszenia. Są punktem centralnym obrazu i największymi obiektami. Lilie łączą się w harmonii i przyciągają uwagę flamingów. Rousseau używa na tym obrazie wielu błękitów i zieleni, w przeciwieństwie do ciepłych, postępowych kolorów, takich jak róże i żółcie. To arcydzieło celebruje zestawienie rzeczywistości i wyobraźni. Henri Rousseau, legenda paryskiej awangardy, jest prawdopodobnie najrzadziej pojawiającym się na aukcjach ważnym artystą XIX i początku XX wieku. 11 maja 2023 roku obraz trafi na aukcję w domu Christie’s, „Flamingi” pozostawały w prywatnej kolekcji Joan Whitney Payson od 1949 roku.

„Lighthouse Hill”, Edward Hopper

Jednym z ciekawszych obrazów Hoppera osadzonych w Maine jest Lighthouse Hill. Powstały w 1927 roku obraz przedstawia latarnię morską ustawioną na szczycie wzgórza i dom. Widz patrzy na scenę z dołu wzgórza. Świeci słońce, ale otoczenie nie jest do końca przyjazne. Domek ma ciemne okna, ściany są także w cieniu, co czyni go nieco złowrogim. Pomimo faktu, że latarnia morska jest wyższa i na bliższym planie, domek znajduje się w samym środku obrazu, dzięki czemu uwaga skupia się na nim.

W ciągu swojego życia Hopper dwukrotnie namalował tę latarnię morską, raz na tym obrazie i raz na obrazie zatytułowanym „Latarnia morska przy dwóch światłach”. Namalowany w 1927 roku Lighthouse Hill znajduje się obecnie w Dallas Museum of Art w USA. Edward Hopper, amerykański malarz realista, jest dobrze znany z przedstawiania scen z życia codziennego. Jego eksperymenty ze światłem charakteryzują jego styl, dlatego też jego plenerowe krajobrazy i krajobrazy są bardzo wyraziste. Prace Hoppera mają czasem elementy tajemnicze,  a każdy obraz opowiada jakąś historię. Hopper odwiedził w swoim życiu wiele miejsc, co wywarło wpływ na jego twórczość. Podróżował po całych Stanach Zjednoczonych, Meksyku i Europie, co zainspirowało wiele jego prac o tematyce podróżniczej. 

„Wóz na siano”, John Constable 

Nazwa „Wóz z sianem” odnosi się do wozu przewożącego pszenicę, który jest głównym tematem tego pejzażu. Obraz powstał w 1821 roku. Obecnie znajduje się w National Gallery w Londynie. W polskiej literaturze przedmiotu spotyka się też inne warianty tytułu „Wóz z sianem” lub „Bród”. Namalowany olejami na płótnie obraz przedstawia jako główny element trzy konie ciągnące przez rzekę coś, co w rzeczywistości wygląda na drewniany wóz lub duży wóz rolniczy. Willy Lott's Cottage, również temat tytułowego obrazu Constable'a, jest widoczny po lewej stronie. Scena rozgrywa się w pobliżu Flatford Mill w Suffolk, chociaż ponieważ Stour stanowi granicę dwóch hrabstw, lewy brzeg znajduje się w Suffolk, a krajobraz na prawym brzegu w Essex. Flatford Mill był własnością ojca Constable'a. Dom po lewej stronie obrazu należał do sąsiada, Willy'ego Lotta, dzierżawcy, który podobno urodził się w tym domu i nigdy go nie opuszczał na dłużej niż cztery dni. W ankiecie przeprowadzonej w 2005 roku przez program BBC Radio 4's Today „Wóz z sianem” został uznany za drugi najpopularniejszy obraz w dowolnej brytyjskiej galerii, ustępując jedynie „Walczącemu Temeraire'owi” Turnera.

Zdjęcia: Wikipedia